Exista unele filme clasice in care muzica este atat de parte integranta a unei scene, incat ar fi greu sa ne imaginam scena fara ea. Imediat imi vine in minte scena dusului din filmul lui Alfred Hitchcock „Psycho”, cu coloana sonora exagerata a filmului de groaza a legendarului compozitor de filme Bernard Herrmann.
Initial, Hitchcock a crezut ca scena dusului nu are nevoie de muzica – dar Herrmann a compus oricum muzica pentru ea, pe care Hitchcock a folosit-o in cele din urma cu mare efect. Muzica din acea scena, impreuna cu restul coloanei sonore a filmului, a servit ca sablon pentru muzica filmelor de groaza in anii urmatori si este un exemplu al puterii de povestire a muzicii de film.
In activitatea mea de profesor de muzica si cercetator, ma concentrez pe creativitate si dezvoltarea abilitatilor de ascultare la copii. Dupa ce am lucrat anterior ca director muzical de publicitate, am vazut efectul pe care muzica il are asupra perceptiilor si emotiilor oamenilor.
De la lansarea in 1927 a filmului „The Jazz Singer”, primul film comercial cu sunet, muzica a fost puternic legata de experienta de vizionare a filmelor.
Filmul si muzica au mers mereu mana in mana
Chiar si in primele zile ale filmelor mute, majoritatea cinematografelor au angajat un muzician sau un grup de muzicieni pentru a oferi muzica, mai ales pentru a ineca sunetul proiectoarelor de film si al oamenilor care vorbeau. Acesti muzicieni au cantat adesea piese existente de muzica clasica vest-europeana de compozitori precum Ceaikovski si Wagner, impreuna cu muzica populara si populara. Era obisnuit ca acelasi film jucat in diferite teatre din tara sa aiba acompaniamente muzicale complet diferite.
Tehnologia sound-on-film a introdus coloana sonora unificata si, in cele din urma, practica de a angaja compozitori pentru a crea muzica originala pentru filme. La fel ca muzica scrisa pentru o opera, muzica de film serveste la avansarea povestii si a actiunii. Asa cum un compozitor de opera trebuie sa urmeze libretul sau textul operei, un compozitor de film trebuie sa sustina povestea scenariului. De asemenea, muzica trebuie sa reflecte starea de spirit a scenariului, care include totul, de la actiunea de pe ecran la efecte sonore si dialog.
Piesa muzicala potrivita poate imbunatati si uneori chiar poate schimba perceptia spectatorului despre ceea ce se intampla pe ecran. Incercati doar sa va imaginati inlocuirea temei „Falcilor” a lui John Williams in timpul primei victime in inot din film cu o piesa muzicala calma. Intr-o clipa, starea de spirit s-ar schimba de la frica inerenta la o baie linistita in ocean. In calitate de educator muzical, am facut schimbarea muzicii cu studentii de gimnaziu, liceu si colegiu de-a lungul anilor si nu e niciodata sa-i surprinda.
Puterea muzicii in film
De cele mai multe ori, muzica este folosita pentru a sublinia actiunea de pe ecran, pentru a imbunatati starea de spirit a unei scene, pentru a prefigura o actiune care urmeaza sa aiba loc sau chiar pentru a transmite emotia interioara a unui personaj. In timp ce compozitorii si realizatorii de film nu vor de obicei sa depaseasca un film, in multe cazuri puterea emotionala a imaginilor nu ar fi la fel de mare daca nu ar fi muzica.
De exemplu, nu ne-am astepta sa-l gasim pe compozitorul clasic Aaron Copland in aceleasi credite de film ca grupul de rap Public Enemy, totusi Spike Lee a folosit muzica acestui maestru compozitor american cu succes in filmul sau „He Got Game”. Chiar de la inceput, muzica lui Copland da tonul pentru un film tensionat si emotionant despre baschet si despre alegerile dificile si complexe cu care se confrunta un tanar jucator emergent din proiecte.
Spike Lee foloseste muzica compozitorului Aaron Copland in deschiderea filmului „He Got Game”.
Vernisajul este un montaj de filmari cu incetinitorul constand din copii din mediul rural din America juxtapusi cu tineri din mediul urban. „John Henry” de Copland joaca, cu sunetul sau lent si expansiv. Aceasta compozitie a fost inspirata din povestea lui John Henry, o legenda populara afro-americana care a lucrat ca sofer din otel, construind sine de cale ferata si a carui putere si viteza au invins o masina de gaurit roci alimentata cu abur.
Cantecul recreeaza sunetul de baza al miscarii unui tren cu un puls ritmic sub melodie. Din cand in cand, puteti auzi un ciocan care loveste, care este creat de loviri de percutie si coarde sau percutie si alama. Secventa filmului este editata astfel incat scenele tinerilor urbani sa aiba loc in principal in timpul acestor lovituri de ciocan. Facand acest lucru, Lee evidentiaza – prin muzica – diferentele si disparitatile dintre experientele studentilor din mediul rural si cel urban. Creditele de deschidere marcate cu aceasta piesa evocatoare de muzica americana l-au pregatit pe spectator pentru povestea emotionanta care urmeaza.
In filmul „Platoon”, un film de actiune despre razboi, compozitorul de film foloseste contrastul pentru a surprinde privitorul. Mai degraba decat muzica unei trupe militare sau ceva tare si rapid, ceea ce auziti sunt coardele orchestrale din „Adagio for Strings” de Samuel Barber.
In acest caz, tempo-ul sau viteza muzicii joaca un rol important in crearea efectului dorit. Masurat in batai pe minut, tempo-ul poate modifica senzatia si ritmul a ceea ce se intampla pe ecran. Compozitorii desemneaza un tempo dorit folosind terminologia muzicala care este de obicei in italiana. In acest caz, „adagio” indica un tempo lent, de obicei, in jur de 66 pana la 76 de batai pe minut. Muzica este, de asemenea, intr-o tonalitate minora, care poate transmite tristete – un alt factor care contribuie la atractia emotionala a acestei muzici in scena. Rezultatul este un comentariu uluitor despre ravagiile razboiului.
Data viitoare cand vizionati un film sau chiar o emisiune TV preferata, acordati atentie modului in care o scena va face sa va simtiti – apoi ascultati muzica ei.